Frieze Seoul 2026

Frieze Seoul 2026
Booth No. A18
2025.9.2-5
COEX, Seoul

36 PAINTINGS

갤러리2는 2026 프리즈 서울에서 동일한 규격으로 제작된 36점의 회화를 부스의 세 면을 따라 밀도 있게 펼쳐 보인다. 같은 크기와 같은 조건을 공유하는 화면들은 반복되는 하나의 구조를 이루고, 그 안에서 각 작가가 회화를 다루는 서로 다른 방식이 드러난다. 열두 명의 작가가 각 세 점씩 참여하며, 한 작가의 세 화면과 부스 전체의 서른여섯 화면이 동시에 읽히는 구성을 만든다.

동일한 규격은 이번 프레젠테이션의 시각적 질서이자 관람의 기준이다. 같은 크기는 작품마다 동등한 발언권을 부여하고, 각 작가가 화면을 성립시키는 판단과 작업의 시간을 전면에 놓는다. 한 점에서 확인되는 선택은 세 점 사이에서 반복되고 변주되며 하나의 방법으로 읽힌다. 관객은 부스 전체가 만드는 강한 장면을 먼저 마주한 뒤 개별 화면과 한 작가의 세 작품으로 시선을 좁히고, 다시 전체로 돌아오게 된다.

갤러리2의 참여 작가들을 연결하는 지점은 회화의 조건을 자기 작업 안에서 끈질기게 다시 세워온 태도에 있다. 이들에게 회화는 이미지, 재료, 시간, 손의 행위와 공간이 구체적으로 관계를 맺는 실천이다. 무엇을 그릴 것인가와 함께 이미지를 어디에서 가져오는지, 어떤 절차와 규칙을 통과시키는지, 재료의 우연과 저항을 어떻게 받아들이는지, 어느 순간 하나의 화면이 성립했다고 판단하는지가 작업의 핵심을 이룬다.

권세진은 빠르게 저장되고 유통되는 사진과 디지털 이미지를 먹, 종이, 격자와 반복 노동의 느린 시간으로 옮기며 규칙 안에서 이미지가 발생하는 조건을 구축한다. 김수연은 수집한 이미지를 물체로 만들고 다시 회화로 옮기는 과정에 날씨와 건조, 균열과 번짐을 참여시켜 회화가 받아들일 수 있는 경험의 범위를 넓힌다. 손동현은 동아시아 회화의 재료와 화론, 초상과 문자, 산수의 구조를 오늘의 이미지와 공간 안에서 재배치하며 지속적으로 갱신되는 회화적 언어를 만들어왔다. 이소정은 한지와 먹의 스밈, 겹침과 벗겨냄에서 생겨나는 우연을 세심한 판단과 연결하며 이미지가 스스로 형성되고 다시 다른 이미지로 이어지는 과정을 추적한다.
윤영빈은 휴대전화 사진과 클립아트, 생활용품, 집 벽의 균열처럼 유통되거나 우연히 발견한 형상을 매끄러운 재현과 물감의 물성 사이에 놓고, 이미지가 스스로 말을 건네는 주체가 되는 지점을 탐색한다. 이해강은 그래피티의 속도와 애니메이션의 프레임·모핑을 유화와 스프레이의 서로 다른 시간에 접속시켜, 복제 가능한 디지털 이미지가 손으로 그려진 물질적 존재가 되는 과정을 다룬다. 장재민은 몸으로 통과한 풍경과 기억을 뒤집힌 원근, 겹치는 시점, 물감의 운동으로 재구성하며 화면의 구조를 계속 갱신한다. 장종완은 행복과 구원을 약속하는 이미지의 매혹을 정교한 화면으로 구축하고, 믿음과 욕망, 불안이 풍경과 생명체의 형태로 조직되는 방식을 보여준다.
전현선은 서로 다른 이미지가 관계 속에서 의미를 만들어내는 방식을 따라 화면을 귀납적으로 구축하고, 회화를 여러 시점과 시간, 사물과 공간이 연결되는 열린 장으로 확장한다. 정주원은 성장과 노화, 돌봄과 의존처럼 삶에서 직접 겪은 시간을 백토와 안료를 쌓고 덮고 닦고 갈아내는 표면에 새긴다. 최기석은 철조각에서 축적한 구조적 사고를 종이와 목탄의 마찰, 접힘과 세움으로 이동시키며 재료를 건너 지속되는 조각적 원리를 화면에 드러낸다. 하상림은 식물의 형태와 잎맥에서 생명의 기본 구조를 발견하고, 오랜 관찰을 통해 얻은 선을 반복과 균형의 화면으로 압축한다.
36개의 화면에는 이처럼 열두 작가가 오랜 시간 구축한 회화의 내부 논리가 압축된다. 사진과 디지털 이미지, 동아시아 회화의 문법, 자연과 몸, 개인의 삶, 믿음과 기억, 조각적 구조는 각자의 재료와 절차를 통과해 하나의 화면으로 성립한다. 같은 규격은 이 과정의 차이를 증폭한다. 관객은 스타일의 차이와 함께, 각 작가가 세계를 보고 받아들이며 회화로 전환하는 방법의 차이를 경험한다.

36 PAINTINGS는 갤러리2의 작가들을 한자리에서 소개하는 프레젠테이션이자, 갤러리가 오랫동안 작가들과 함께 축적해온 회화에 대한 기준을 드러내는 집합적 초상이다. 12명의 작가, 36점의 회화, 하나의 규격이라는 명료한 구조 안에서 갤러리2가 중요하게 여겨온 태도가 선명해진다. 그 태도는 회화를 오래 바라보고, 그 조건을 깊이 파고들며, 자신의 질문을 끝까지 밀어붙여 하나의 필연적인 화면에 도달하는 데 있다. 36개의 회화는 그 태도가 현재 어떤 모습으로 존재하는지를 가장 직접적으로 보여준다.

36 PAINTINGS

At Frieze Seoul 2026, Gallery 2 presents thirty-six paintings of identical dimensions, densely installed across the booth’s three walls. Sharing the same scale and conditions, the works form a repeated structure that brings into view the distinct ways in which each artist approaches painting. Twelve artists contribute three works each, creating a presentation in which each artist’s group of three and the full field of thirty-six can be read simultaneously.

The shared format establishes both the visual order of the presentation and the terms through which it is viewed. Equal dimensions give each work an equivalent presence, bringing forward the decisions and accumulated time through which each artist constructs a painting. A choice registered in one work becomes legible as a method through its repetition and variation across three. Viewers first encounter the strong visual field produced by the booth as a whole, then narrow their attention to individual paintings and each artist’s three works before returning to the larger structure.

What connects the participating artists is the sustained way each has examined and rebuilt the conditions of painting within their own practice. For them, painting is a concrete process through which image, material, time, the action of the hand, and space enter into relation. Their work is shaped by where an image comes from, what procedures and rules it passes through, how chance and material resistance are absorbed, and at what point a picture is considered to have cohered.

Sejin Kwon translates photographic and digital images that are rapidly stored and circulated into the slower time of ink, paper, grids, and repetitive labor, constructing a system through which images gradually acquire density and duration. Suyeon Kim moves collected images into objects and back into painting, allowing weather, drying, cracking, and seepage to participate in the process and expanding the range of experience that painting can absorb. Donghyun Son repositions the materials and theories of East Asian painting, together with the structures of portraiture, writing, and landscape, within contemporary image culture and spatial experience, continually renewing his painterly language. Sojung Lee connects the seepage, layering, and removal of ink and hanji with precise acts of judgment, tracing how an image takes form and develops into another.

Yeongbin Yoon draws from smartphone photographs, clip art, household objects, and cracks found in domestic walls, placing these images between smooth representation and the material presence of paint. Through this tension, the image begins to act as an active presence within the pictorial field. Haekang Lee connects the speed of graffiti and the frame-based logic of animation and digital morphing with the distinct temporalities of oil and spray paint, examining how reproducible digital images become hand-painted material objects. Jaemin Jang reconstructs landscapes and memories experienced through the body through overturned perspective, layered viewpoints, and the movement of paint, continually renewing the structure of the pictorial field itself. Jongwan Jang constructs seductive images that promise happiness and salvation, revealing how belief, desire, and anxiety are organized through landscapes, bodies, and living forms.

Hyunsun Jeon builds her paintings inductively by following the ways in which disparate images generate meaning through their relationships with one another. Her work extends painting into an open field where multiple viewpoints, temporalities, objects, and spaces connect. Juwon Jeong inscribes lived time—growth and aging, care and dependence—into surfaces built, covered, wiped, and sanded with white clay and pigment. Kiseog Choi transfers the structural thinking developed through his sculptural practice into the friction of paper and charcoal, as well as into acts of folding and standing, making visible the sculptural principles that persist across materials. Ha Sang Rim finds the fundamental structures of life in plant forms and leaf veins, compressing lines developed through sustained observation into pictorial fields governed by repetition, rhythm, and balance.

The thirty-six paintings condense the distinct internal logics that these twelve artists have developed over time. Photography and digital imagery, the language of East Asian painting, nature and the body, personal experience, belief and memory, and sculptural structure all pass through each artist’s materials and procedures before taking form as a painting. The shared dimensions intensify these differences. Viewers encounter variations in style alongside deeper distinctions in how each artist sees the world, receives it, and transforms it into painting.

36 PAINTINGS presents Gallery 2’s painters together in one place while also forming a collective portrait of the standards and commitments the gallery has developed with its artists over time. Twelve artists, thirty-six paintings, and one shared format create a clear structure through which Gallery 2’s position becomes visible: a sustained attention to artists who look closely at painting, investigate its conditions with rigor, and pursue their questions until each work arrives at a form of its own necessity. The thirty-six paintings offer the most direct view of what that commitment looks like today.